Die gotische Kunst

Der Begriff „gotischer Stil“ bezieht sich auf den Stil der europäischen Architektur, Skulptur (und Kleinkunst), die mittelalterliche romanische Kunst mit der Frührenaissance verband. Die Periode gliedert sich in die Frühgotik (1150-1250), die Hochgotik (1250-1375) und die Internationale Gotik (1375-1450). Sie war in erster Linie eine öffentliche Form der christlichen Kunst und blühte in den Jahren 1150-1250 zunächst in der Ile de France und ihrer Umgebung auf und verbreitete sich dann in ganz Nordeuropa.

Ihre Hauptausdrucksform war die Architektur – ein Beispiel dafür sind die großen gotischen Kathedralen Nordfrankreichs. Für die beiden wichtigsten Dekorationsstile siehe Rayonnant Gothic Architecture (um 1200-1350) und die spätere Flamboyant Gothic Architecture (1375-1500). Die besten Beispiele für gotisches Design sind: Der Dom von Chartres (1194-1250), der Dom von Notre-Dame (1163-1345), die Sainte Chapelle (1241-48) und der Kölner Dom (1248) sowie die Dome von Canterbury, Winchester, Westminster Abbey und Santiago de Compostela. Im gotischen Design wurden die planaren Formen des früheren romanischen Idioms durch eine neue Fokussierung auf die Linie ersetzt. Und seine aufsteigenden Bögen und Strebepfeiler erlaubten die Öffnung von Wänden für beispiellos große Fenster aus Glasmalerei, die mit wunderschönen, inspirierenden, lichtdurchlässigen Bildern der biblischen Kunst gefüllt waren, die weit über alles hinausgingen, was die Wandmalerei oder Mosaikkunst zu bieten hatte. All dies schuf eine suggestive humanistische Atmosphäre, die sich von der Romanik deutlich unterschied. (Im Laufe des späten 14. Jahrhunderts entstand ein eher weltlicher gotischer Stil, bekannt als Internationale Gotik, der sich über Burgund, Böhmen und Norditalien ausbreitete.)

Die gotische Kunst, die ausschließlich religiöse Kunst war, gab der wachsenden Macht der Kirche in Rom ein starkes greifbares Gewicht. Dies inspirierte nicht nur die Öffentlichkeit und ihre weltlichen Führer, sondern etablierte auch die Verbindung zwischen Religion und Kunst, die eine der Grundlagen der italienischen Renaissance (1400-1530) war. Zu den berühmten mittelalterlichen Künstlern im gotischen Stil gehörten Giovanni Pisano und Simone Martini von der Sieneser Malschule.

Gotische Skulpturen

Wie in der Romanik wurden die besten gotischen Bildhauer für die Architektur eingesetzt. Die wichtigsten Beispiele für die überlebensfähige Steinskulptur befinden sich auf Portalen, wie in der Kirche Saint-Denis, deren westliche Portale (erbaut 1137-40), kombinierte Merkmale, die während der gesamten Gotik üblich blieben: ein geschnitztes Tympanon; geschnitzte Figuren, die in den Voussoirs oder keilförmigen Teilen des Bogens angeordnet sind; und weitere figurative Schnitzereien, die an den Seiten des Portals angebracht sind. Saint-Denis ist, da es überlebt, eher enttäuschend; die Nebenfiguren sind verloren gegangen und der Rest schwer restauriert.

Trend zu mehr Realismus

Der allgemeine Effekt wird heute an der Westfront der Kathedrale von Chartres besser wahrgenommen, deren Portale die Entwicklung des gotischen Stils veranschaulichen. Vergleicht man die Portale von Chartres (um 1140-50) mit denen von Reims aus dem 13. Jahrhundert, so zeigt sich, dass die Entwicklung der Skulptur in dieser frühen Periode der Gotik in Richtung eines verstärkten Realismus und weg vom eher hölzernen Gefühl der romanischen Skulptur geht. Dies geschah nicht durch kontinuierliche Evolution, sondern durch eine Reihe von stilistischen Impulsen. Der erste dieser Impulse ist in der Skulptur an der Westfront von Chartres zu sehen. Die Figuren sind mit ihren stilisierten Gesten und minutiös plissierten Kleidungsstücken kaum „real“ und ihre Formen sind eng mit der architektonischen Komposition verbunden. Ähnliche Beispiele sind in den Kathedralen von Angers, Le Mans, Bourges und Senlis zu sehen. Der zweite kreative Impuls (1181-1210) kam aus der Schule der mosaischen Kunst, in der Metallbearbeitung des Goldschmiedes Nicholas von Verdun (und seiner älteren Zeitgenossin Godefroid de Claire), geprägt von anmutigen, geschwungenen Figuren und weichen griechisch anmutenden, gekämmten und geprüften Stoffen (Muldenstil). Eine zurückhaltende Version dieses Stils schmückte die Hauptportale der Querschiffe von Chartres (um 1200-10) und ist auch im Reims-Dom zu sehen. Ein dritter Impuls zum Realismus in der gotischen Skulptur, der auf byzantinischen Prototypen des 10. Jahrhunderts basiert, scheint in der Kathedrale Notre-Dame Paris (um 1200) entstanden zu sein. Anstelle von wirbelnden Drapierungen und geschwungenen Figuren zeichnet sich dieser Stil durch quadratisch und aufrecht wirkende Figuren aus, die in ihrer Gestik recht zurückhaltend sind. Ein gutes Beispiel für diesen Stil ist die Westfassade der Amienser Kathedrale (ca. 1220-30). Ein vierter Stil des Realismus entstand in Reims mit einem Handwerker, der nach seiner berühmtesten Figur, dem Joseph-Meister, benannt ist. Unter Missachtung der gestischen Zurückhaltung von Amiens und der Drapierung des Muldenstils fertigte er (um 1240) Figuren mit Eigenschaften, die die nächsten 150 Jahre überdauerten: nämlich zierliche Posen und Gesichter und dicke Drapierungen, die in langen V-förmigen Falten hingen, die den Körper umschließen.

In Deutschland ist die Geschichte ziemlich ähnlich, außer dass die deutsche gotische Skulptur eher emotional ist – siehe Straßburger und Magdeburger Dome. Ein dramatisches Beispiel für diese Emotionalität findet sich im Westchor (um 1250) des Naumburger Doms. Siehe auch Deutsche Gotik (um 1200-1450).

Hochgotische Skulptur

Im Allgemeinen war in dieser Zeit ein Rückgang der Architekturskulptur zu verzeichnen. Aufgrund des Fokus auf geometrische Musterung durch die Rayonnant-Gotikarchitektur ist dies nicht verwunderlich. Einige Portale, wie die an der Westfront des Doms von Bourges, wurden fertiggestellt, haben aber ein begrenztes Interesse. Im Gegensatz dazu war die Art der Skulptur, die sich sehr schnell ausdehnte, die privatere, was durch Gräber und andere Grabdenkmäler veranschaulicht wurde. Dazu gehörte auch die Grabkiste, die typischerweise mit kleinen Figuren in Nischen verziert war – so genannte Trauernde, da sie meist trauernde Familienmitglieder vertraten. Später, Anfang des 14. Jahrhunderts, erschienen Darstellungen von stark getarnten professionellen Trauernden.

Dieser skulpturale Trend wurde von Louis IX in seinen Denkmälern für seine Vorfahren und Angehörigen initiiert, die sich hauptsächlich in Saint-Denis (1260-70) befinden, aber während der Französischen Revolution stark beschädigt wurden. Frühere Präzedenzfälle können gefunden werden, Louis IX’s Bemühungen haben viel dazu beigetragen, die Idee des dynastischen Mausoleums zu popularisieren, und zahlreiche andere wichtige Personen folgten diesem Beispiel.

In England, wie auch in Frankreich, wurde der größte Teil der Virtuosität beim Schnitzen in private Gräber und Denkmäler investiert. Das am besten erhaltene gotische Mausoleum ist die Westminster Abbey, wo Denkmäler aus verschiedenen Materialien (insbesondere Purbeck, Bronze, Alabaster und Sandstein) durch die Böden und Gräber der italienischen Mosaikarbeiter von Heinrich III. noch aufgewertet werden. Das Grab von Edward II. (um 1330-35) in der Exeter-Kathedrale, das sich durch sein aufwendiges mittelalterliches Vordach auszeichnet, ist ein weiteres schönes Beispiel der englischen Gotik.

Die deutsche hochgotische Skulptur wird durch die eleganten drapierten Figuren rund um den Chor des Kölner Doms (eingeweiht 1322) und durch die beeindruckenden Figuren an der Westfront des Straßburger Doms (geschnitzt nach 1277) veranschaulicht, die vom Joseph-Meister von Reims stark beeinflusst zu sein scheinen. Wie üblich ist die deutsche Skulptur tendenziell viel ausdrucksstärker als ähnliche französische Werke.

In Italien zählten Nicola Pisano (1206-78) und sein Sohn Giovanni Pisano (1250-1314) zu den wichtigsten Bildhauern des 13. Jahrhunderts. Beide arbeiteten hauptsächlich in der Toskana, und beide führten Kanzeln aus, die zu den wichtigsten abgeschlossenen Arbeiten gehören: Nicola ist bekannt für seine Skulpturen im Baptisterium von Pisa (1259-60) und in der Kathedrale von Siena (1265-68), während Giovannis Kanzel in S. Andrea Pistoia (vollendet 1301), obwohl technisch weniger verfeinert, emotional viel dramatischer ist.

In Mailand wurde von Giovanni di Balduccio (ca. 1290-1349) ein Schrein für den Leichnam des heiligen Peter Märtyrers in einem aus dem Atelier in Pisano stammenden Stil geschnitzt. Zu den berühmtesten Anhängern von Pisano gehören Arnolfo di Cambio (1240-1300/10) und Tino di Camaino, der am neapolitanischen Hof arbeitete (c.1323-37). Arnolfo di Cambio’s Skulptur ist solide und impassiv. Er brillierte mit formalen Kompositionen wie der Grabkapelle und dem Grab von Papst Bonifatius VIII. Außerdem war er der erste Architekt der Kathedrale von Florenz (gegründet 1296). Tino di Camaino wurde als Grabbildhauer bekannt, und die größte Sammlung seiner Werke befindet sich in Neapel. Für mehr Informationen siehe: Florenz Dom, Brunelleschi und die Renaissance (1420-36).

Ein weiterer bedeutender italienischer gotischer Bildhauer war Andrea Pisano (1295-1348) (alias Andrea da Pontedera). Seine berühmtesten Skulpturen wurden in Florenz ausgeführt, von denen die wichtigste seine drei Bronzetüren für das Taufbecken der Kathedrale von Florenz (1336 fertiggestellt) waren. Er war stark beeinflusst von der Skulptur von Giovanni Pisano sowie der Malerei des Proto-Renaissance-Künstlers Giotto, was Andrea veranlasste, seine Figuren eher stämmig und solide zu gestalten.

Gotische Malerei

Trotz der Etablierung der romanischen Malerei an Kirchenwänden und in Evangelienmanuskripten war Europa noch nicht bereit für die Malerei als wichtige öffentliche Kunstform. Die Tapisseriekunst war als dekorative Wandverkleidung noch immer beliebt (und wärmer), während die meisten gotischen Kathedralen mit ihrem Mangel an Wandraum weniger Bedarf hatten als romanische Kirchen für Wandmalereien. Stattdessen setzten gotische Architekten für Farbeffekte auf Glasmalereien, die heute viel größer geworden waren als in der Romanik. In anderen Malerei-Genres hatte der neue Stil eine signifikante Wirkung: So wurden Altarbild und illuminierte Handschriften durch die gotische Sprache revitalisiert.

Gotische Malerei in Frankreich

Die frühgotische Malerei wandte sich von der byzantinischen Kunst hin zu mehr Naturalismus und nahm die Form eines weicheren, realistischeren Stils an, dessen allgemeine Merkmale bis in die Mitte des 13. Jahrhunderts anhielten. In Frankreich ist das Idiom besonders deutlich in einer seriösen Sprache zu erkennen.